Cultura
Em 15 anos, carnaval de rua de SP passou de 20 para 600 blocos
Cultura
Nos últimos 15 anos, o carnaval de rua de São Paulo viveu um crescimento vertiginoso: passou de 20 blocos em 2012, para 200 em 2014 e, agora, são mais de 600. O evento é regulamentado por decreto municipal desde 2014.
Entre os blocos que já se firmaram no calendário da cidade está o Pagu, que surgiu há dez anos e conta com uma bateria cem por cento feminina. Mariana Bastos, uma das fundadoras do Bloco Pagu, critica a prefeitura pela visão comercial em vez de cultural, o que deixa os blocos tradicionais em desvantagem em relação a megablocos comandados por artistas consagrados.
“Esses blocos que antes contavam com o patrocínio dessas marcas, hoje disputam eh essa verba com outros com esses outros artistas e blocos gigantescos, inclusive de artistas internacionais. Então, eu acho que falta também um pouco de falta de olhar da prefeitura, de olhar o carnaval como um como parte da cultura e não parte de um negócio, né?”
Entre os desafios apontados por blocos como o Pagu está a divulgação tardia de horários e trajetos por parte da prefeitura – cerca de três semanas antes do carnaval, o que dificulta a captação de recursos com patrocinadores. Zé Cury, coordenador do Fórum Aberto dos Blocos de Carnaval de São Paulo, que representa cerca de 200 blocos, fala sobre o patrocínio de quase R$ 30 milhões oferecido por uma marca de cerveja para este ano.
“Então, se eu sou um bloco que não tem dinheiro e vou nessa cerveja pedir um dinheirinho para o meu bloco, ela fala para mim que desculpa, mas eu já vou aparecer no seu bairro, eu não preciso patrocinar você. Você tá trabalhando de graça para mim, porque você vai fazer o bloco e eu vou pôr minha marca de cerveja inteirinha em volta do seu bloco e os vendedores de cerveja, só podem vender minha marca.”
O carnaval de rua paulistano tem origem nos cordões carnavalescos: o primeiro surgiu no bairro da Barra Funda em 1914 mas, na década de 60, muitos cordões se transformaram em escolas de samba, e a folia das ruas perdeu força. Entre os blocos de rua mais antigos, ainda em atividade, está o Esfarrapados, criado em 1947 no bairro do Bixiga. A relação com o território está na essência dos blocos fundados por foliões em seus próprios bairros. Algo que se perde com a magnitude dos megablocos, segundo Pato Papaterra, um dos fundadores do Bloco Vai Quem Quer.
“Não se mantém uma comunidade numa multidão. É, essa carência hoje está predominando na cidade inteira, né? Assim, são pessoas que tão em busca de uma comunidade, mas que encontram uma multidão, não mais um pequeno bloco, uma comunidade onde é bem recebido, onde é, ele é inserido de uma maneira, ele pode assumir papéis ali dentro do bloco. A própria comunidade, o próprio bloco que pertence à comunidade, acaba cuidando desse espaço.”
Entre as alternativas pensadas pelos blocos tradicionais para um carnaval plural e democrático, com megablocos e blocos menores, está a divisão do patrocínio em mais de uma grande marca, com cotas baixas, e mais verba direcionada do imposto recolhido no ano anterior.
“Nós giramos ano passado R$ 3 bi e 400 milhões. Só no imposto tradicional que é o ISS, ela faturou R$180 milhões. E nós geramos, os blocos geraram isso. E ela só transmite e volta para os blocos 2,5 milhões. Você gasta R$ 7 milhões, você faz os 600 blocos saírem. Sobre o patrocínio da prefeitura, com clareza, com inscrição, com segurança, com roteiro programado, tudo isso pode ser feito.
Mariana Bastos, fundadora do Bloco Pagu, cobra mais antecedência para que os blocos consigam correr atrás dos recursos e mais diálogo com a prefeitura.
“A gente precisa desse movimento e isso depende muito do poder público. Então, acho que falta um pouco essa visão de proteção mesmo, né? Para que as coisas não sejam simplesmente, é, atropeladas, destruídas, senão o que a gente vai ver nos próximos anos é um apagão enorme do que foi construído aqui.”
Em nota, a prefeitura reiterou que, como sempre aconteceu no carnaval da cidade, é de responsabilidade dos organizadores de blocos se viabilizarem economicamente por meio de patrocínio. Ainda de acordo com a prefeitura, a infraestrutura foi projetada para atender integralmente a realização do carnaval de rua e, segundo a SPTuris, não houve atraso na divulgação da programação dos blocos e a prefeitura mantém atendimento presencial, por telefone, whatsapp e e-mail para diálogo e orientação.
*Com sonoplastia de Jailton Sodré e colaboração de Eliane Gonçalves e Maura Martins
Cultura
O “mojo “de Moacir Santos: o maestro que conectou sertão, bossa e jazz
Compositor, arranjador, multi-instrumentista, maestro… Moacir Santos completaria 100 anos no próximo dia 26 de julho. Com uma extensa obra que se destaca pela fusão de ritmos afro-brasileiros com o jazz, o músico ainda carece de maior reconhecimento no Brasil. 
A reza de pessoas numa procissão foi o ponto de partida para a melodia de Nanã, composta por Moacir Santos. Trilha de abertura do filme Ganga Zumba, ganhou letra de Mario Telles e foi gravada por uma centena de artistas, como Nara Leão, Sergio Mendes, Tim Maia e nomes do jazz, como Kenny Burrell e Gil Evans. Nanã é a orixá mais antiga das religiões afro-brasileiras e, na obra de Moacir Santos, é sua canção mais conhecida.
Da banda marcial para a orquestra
Nascido em 26 de julho de 1926, no sertão pernambucano, na região de Serra Talhada, o maestro aprendeu a tocar os instrumentos de banda marcial ainda criança. Em depoimento recuperado de um especial da Rádio MEC, em 2016, Moacir Santos relembra os primeiros contatos com a música.
“Quando eu entendi a vida, que era um ser vivo, a música também já estava comigo. A gente brincava de banda de música da cidade. Lá em Flores, uma cidade assim muito subdesenvolvida, era muito natural os meninos andarem nus, sem roupinha, até lá pelos 9, 10 anos de idade. Então, eu com 2 anos tinha a minha banda de meninos nus no meio da rua, tocando a marchinha. Então, esse foi o meu contato com música.”
Na adolescência, o músico fugiu de casa e rodou o Nordeste em orquestras de circo e bandas militares. Allan Abbadia, multi-instrumentista, arranjador, compositor e pesquisador, explica que as bandas de música têm uma importância na formação do país e que Moacir Santos veio dessa tradição.
“No Brasil Império, a gente tinha quase que a totalidade de músicos no país pessoas negras. As bandas eram o rádio da cidade, dos eventos de domingo. Então, o Moacir vem dessa tradição. Ao chegar aos grandes centros, ele já veio com essa tradição e ele acrescentou a isso os estudos mais aprofundados.”
Em João Pessoa, Moacir foi regente da banda da Rádio Tabajara e, depois, seguiu para o Rio de Janeiro, onde atuou na Rádio Nacional como saxofonista a partir de 1948 e, três anos depois, já era arranjador da orquestra da emissora.
Moacir Santos foi um arranjador, compositor, maestro e multi-instrumentista brasileiro. – Wikipedia/ Divulgação
Professores, parceiros e alunos
Foi aluno do maestro César Guerra-Peixe e professor de Baden Powell, João Donato, Paulinho da Viola, Airto Moreira, Roberto Menescal, entre outros. Andrea Ernest Dias, flautista e pesquisadora da obra do maestro, autora do livro Moacir Santos, ou os caminhos de um músico brasileiro, conta que o artista construiu uma identidade sonora a partir de pesquisas aprofundadas em teoria musical – o que fez com que músicos mais jovens quisessem aprender com o mestre.
“Para aprender música, né? De uma forma, para quem queria se aprofundar um pouco, sair do campo da intuição musical e saber, o Moacir se tornou essa pessoa que fazia essa ponte entre a erudição e o popular. Então ele se tornou dessa forma o professor de muita gente. Ele dava muita aula: Menescal, Carlos Lyra, Nara Leão.”
Ainda na década de 1960, Moacir arranjou álbuns de Elizeth Cardoso e Baden Powell, e compôs trilhas de filmes – parte delas lançadas no álbum Coisas de 1965. Considerado sua obra-prima, o trabalho reúne 10 composições, todas intituladas Coisa seguida da numeração. Andrea Ernest Dias comenta a genialidade do músico na fusão de ritmos afro-brasileiros com os sopros das bandas de jazz.
“O disco Coisas é uma síntese dessa trajetória dele. Ele tem referências das bandas filarmônicas, na instrumentação; das jazz bands também, que é uma tradição forte pelo país desde os anos 40; jazz bands que que ele também participou na sua região natal; e a questão jazzística, a improvisação, a pesquisa na Orquestra Afro-brasileira trazendo essa identidade afro-brasileira, uma marca mais forte nessa instrumentação. Esse é um trabalho que é um marco na história da música brasileira e traz o Moacir compositor na plenitude do seu domínio musical, de técnicas e de inspiração musical”.
Internacional
Em 1967, Moacir Santos deixou a Rádio Nacional e se mudou para os Estados Unidos, onde seguiu dando aulas e compondo trilhas de cinema, nas equipes dos maestros Henry Mancini e Lalo Schifrin. Na década de 70, lançou álbuns pela renomada gravadora de jazz Blue Note, entre eles, Maestro , indicado ao Grammy. Andrea Ernest Dias fala sobre o “mojo”, inovação trazida por Moacir neste trabalho.
“O mojo é uma espécie de síntese, assim, um sistema que ele criou, muito swingado, uma coisa que a gente ouve e imediatamente fala: ‘isso aí é ritmo do Moacir’. Então ele sistematizava as próprias células rítmicas e transformou esse ritmo num grande balanço, assim, numa marca pessoal mesmo. A ciranda, o maracatu, o disco Maestro marca uma nova etapa na vida do maestro Moacir Santos. Um disco realizado nos Estados Unidos e que traz ritmos intrigantes.
Moacir Santos (1926 – 2006) – Guto Costa / Divulgação
Legado
Em 1985, Moacir Santos foi homenageado no 1º Free Jazz Festival, e tocou na abertura do evento ao lado de Radamés Gnatalli.
A obra do maestro foi revisitada em 2001 pelos músicos Zé Nogueira e Mario Adnet no projeto Ouro Negro, com participações de Milton Nascimento, Gilberto Gil e do próprio Moacir Santos. O álbum Ouro Negro foi a porta de entrada para a obra do músico para ouvintes como o Allan Abbadia.
“Ele é fruto de uma genialidade incrível e uma intelectualidade conquistada através dos estudos, estudos também da nossa oralidade, da cultura afro-brasileira. Uma das características mais marcantes dele é o diálogo entre diferentes expressões artísticas da diáspora. Então ele vem juntando várias dessas expressões com a música erudita e ele conseguiu trazer essa essência da música afro-brasileira, afro-diaspórica, sem se tornar folclórico. Ele conseguiu usar técnicas de outros instrumentos. Ele faz uma coisa de funções assim, que é muito legal, que às vezes o baixo não tá tocando, não tá exercendo o papel do contrabaixo na música ocidental. Ele tá fazendo o papel do rum, que é o tambor mais grave”.
Neste ano, já aconteceram alguns eventos em comemoração ao centenário de Moacir Santos e, no mês de agosto, Allan Abbadia vai dar aulas sobre a obra de Moacir Santos no Centro de Pesquisa e Formação do Sesc em São Paulo.
“É muito importante reverenciar a obra do Moacir Santos, não somente o nome, mas a estética. O público entender essa estética, entender o que ele quis dizer, isso é muito importante. Isso humaniza o artista. Ele faz uma obra que é à frente do seu tempo, mas uma obra que abre um campo de possibilidades para quem vier no futuro conseguir reler aquilo e se debruçar sobre aquilo. Quando eu era garoto. eu fiz workshop com ele, e ele falava: ser reconhecido no meu país é a minha maior alegria“.
Vinícius de Moraes, parceiro das composições Menino travesso e Se você disser que sim, homenageou Moacir Santos nos versos do Samba da Benção.
O músico morreu em 2006, aos 80 anos, em Los Angeles, onde morava, em decorrência de um derrame. Passados 20 anos desde sua partida, o centenário de nascimento de Moacir Santos, em 2026, é uma oportunidade de reverenciar a obra dele, que soube fundir tão bem ancestralidade e modernidade.
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