Cultura
Rio 461 anos: a história da cidade contada pela música que dela nasceu
Cultura
Das notas de Gilberto Gil que abraçaram a cidade de belezas mil, passando pela Garota de Ipanema e a Estrela de Madureira, o Rio de Janeiro completa 461 anos neste domingo, cravada entre mares e montanhas.
E nada melhor do que contar a história da cidade por meio da música. Afinal, ela é berço de muitos gêneros e de múltiplas raízes. Te convidamos a fazer um passeio no tempo e entender melhor a “Cidade Maravilhosa”, através das notas e movimentos musicais.
Cidade Maravilhosa
Fundada em 1º de março de 1565 pelo capitão português Estácio de Sá, e batizada como São Sebastião do Rio de Janeiro, a história da cidade começa muito antes da chegada dos lusitanos.
O historiador Rafael Mattoso conta que o Rio possui heranças culturais dos povos originários, principalmente os tupinambás – que predominavam na região durante o início do período colonial.
“Taí os topônimos da cidade, que não mentem. A gente diz que quem nasce dela é karióka. Karióka vem de Carijós oka, ou seja, casa dos Carijós [indígenas]. Esse lugar que é cercado pela Guaná-pará, pelo encontro das águas. Só que ela começa a ganha essa importância, essa notoriedade de fato, a partir de 1501, das primeiras expedições, que vieram reconhecer o paraíso que existia no mundo atlântico”.
A partir das primeiras expedições é que um imaginário foi sendo construído.
“Os portugueses, na segunda expedição, em 1503, com Gonçalo Coelho e Américo Vespúcio, ao chegar no Rio de Janeiro, eles já avistavam a beleza dessa praça. Não à toa que o próprio Américo Vespúcio disse que, se existia um paraíso na terra, esse paraíso estava aqui, ou muito próximo dele. Então existe desde o começo essa visão idílica do paraíso, dessa maravilha”.
Séculos mais tarde, o navegador e explorador Américo Vespúcio inspirou a criação de um outro nome para a cidade: Cidade Maravilhosa.
A clássica marchinha de Carnaval composta por André Filho em 1934 se apropria do termo “Cidade Maravilhosa”, até então sem autoria definida. A música rapidamente se tornou um grande sucesso. Tanto que, em 1960, foi instituída como hino oficial do Rio.
Fato é que as músicas ajudaram na consolidação desse termo que posteriormente serviria de cartão postal da cidade mundo afora.
Samba e bossa nova
E o Rio seguiu fazendo história através da música e levou para além de suas fronteiras o ritmo que virou uma marca carioca: a bossa nova.
Estátua em homenagem ao cantor e compositor Tom Jobim na orla da Praia de Ipanema – Tomaz Silva/Agência Brasil
Das melodias de Tom Jobim aos poemas cantados de Vinicius de Moraes, a bossa nova foi um dos estilos que consolidaram a imagem de um Rio praiano, boêmio e romântico, enquadrado na ideia de beleza.
Rafael Mattoso explica que, como capital do Brasil ao longo de quase 200 anos, o Rio virou palco de uma efervescência cultural que abriu brecha para que outros setores da sociedade expusessem as contradições da visão romantizada. O Rio era mais do que só a zona sul.
“Em função dessa importância, a própria história musical já registra, ao longo de toda a sua existência, o protagonismo carioca. Desde as primeiras gravações musicais, até por volta de 1904, por exemplo, o primeiro grande registro da história do samba. Foi em novembro de 1916, numa festa da Penha, que o Donga apresentou pela primeira vez a música Pelo Telefone. Ela já trazia a ideia de que o Rio de Janeiro era essa cidade de contradições”.
Manuscrito de Pelo Telephone, de Donga, integra o acervo da Biblioteca Nacional. – Acervo da Biblioteca Nacional.
A partir de então, temos uma disputa para saber qual gênero retrata verdadeiramente a tal “Cidade Maravilhosa”.
Berço de um patrimônio cultural brasileiro, o Rio tomou para si a autoria do samba. Surgido a partir da influência de diversos povos, principalmente os africanos escravizados, o gênero se manteve como ato de resistência ao passado escravocrata.
Versos do compositor Luiz Carlos da Vila, “Poesia guardiã da mais alta bandeira” coloca o samba num patamar elevado e traz à cena o cotidiano do subúrbio – verdadeiro coração da cidade – e expõe a luta desse gênero por espaço na cena da cultura carioca.
Surge o funk
Não demorou muito para que o estilo também influenciasse outros gêneros que retratam a vida de boa parte da população, principalmente o funk.
Entoado por Cidinho e Doca, o clássico “Eu só quero é ser feliz” se transformou em grito de denúncia das desigualdades sociais, ao falar da negligência estatal perante os povos das favelas e periferias. E virou a cara do Rio.
Rio de Janeiro (RJ), 29/09/2023 – Exposição “FUNK: Um grito de ousadia e liberdade”, no Museu de Arte do Rio (MAR), região portuária da cidade. – Tânia Rêgo/Agência Brasil
O ponto principal é que essas múltiplas visões e encontros culturais na mesma cidade são justamente o que a tornam “Maravilhosa”. E, segundo Rafael Mattoso, criam a noção de identidade carioca.
“A cara do Rio de Janeiro pode ser muito bem representada por essa nossa musicalidade. O Rio de Janeiro foi o inventário da inventividade do povo brasileiro. Aqui se concentrou um caldeirão cultural de culturas diaspóricas muito fortes. Que é fruto dessa inventividade, de uma cultura de resistência usada para lutar contra mecanismos formais. O Rio de Janeiro é a cidade que deu origem a uma série de patrimônios musicais fundamentais”.
Exemplo dessa mistura, a música Rio 40º, da cantora Fernanda Abreu, fala das diferentes facetas da cidade – que une o melhor e o pior do Brasil em um purgatório da beleza e do caos: “capital do sangue quente do melhor e do pior do Brasil”.
Todas essas faces transformam o 1º de março em oportunidade para lembrar as diferenças e semelhanças que nos fazem pertencer a um local.
Independente da origem, seja do alto dos morros, subúrbio ou no asfalto, cariocas se banham nas lindas praias de Iemanjá e se unem sob os braços abertos do Cristo Redentor para fazer uma só prece com a esperança de um futuro melhor para todos.
*Sob supervisão de Vitória Elizabeth
Cultura
O “mojo “de Moacir Santos: o maestro que conectou sertão, bossa e jazz
Compositor, arranjador, multi-instrumentista, maestro… Moacir Santos completaria 100 anos no próximo dia 26 de julho. Com uma extensa obra que se destaca pela fusão de ritmos afro-brasileiros com o jazz, o músico ainda carece de maior reconhecimento no Brasil. 
A reza de pessoas numa procissão foi o ponto de partida para a melodia de Nanã, composta por Moacir Santos. Trilha de abertura do filme Ganga Zumba, ganhou letra de Mario Telles e foi gravada por uma centena de artistas, como Nara Leão, Sergio Mendes, Tim Maia e nomes do jazz, como Kenny Burrell e Gil Evans. Nanã é a orixá mais antiga das religiões afro-brasileiras e, na obra de Moacir Santos, é sua canção mais conhecida.
Da banda marcial para a orquestra
Nascido em 26 de julho de 1926, no sertão pernambucano, na região de Serra Talhada, o maestro aprendeu a tocar os instrumentos de banda marcial ainda criança. Em depoimento recuperado de um especial da Rádio MEC, em 2016, Moacir Santos relembra os primeiros contatos com a música.
“Quando eu entendi a vida, que era um ser vivo, a música também já estava comigo. A gente brincava de banda de música da cidade. Lá em Flores, uma cidade assim muito subdesenvolvida, era muito natural os meninos andarem nus, sem roupinha, até lá pelos 9, 10 anos de idade. Então, eu com 2 anos tinha a minha banda de meninos nus no meio da rua, tocando a marchinha. Então, esse foi o meu contato com música.”
Na adolescência, o músico fugiu de casa e rodou o Nordeste em orquestras de circo e bandas militares. Allan Abbadia, multi-instrumentista, arranjador, compositor e pesquisador, explica que as bandas de música têm uma importância na formação do país e que Moacir Santos veio dessa tradição.
“No Brasil Império, a gente tinha quase que a totalidade de músicos no país pessoas negras. As bandas eram o rádio da cidade, dos eventos de domingo. Então, o Moacir vem dessa tradição. Ao chegar aos grandes centros, ele já veio com essa tradição e ele acrescentou a isso os estudos mais aprofundados.”
Em João Pessoa, Moacir foi regente da banda da Rádio Tabajara e, depois, seguiu para o Rio de Janeiro, onde atuou na Rádio Nacional como saxofonista a partir de 1948 e, três anos depois, já era arranjador da orquestra da emissora.
Moacir Santos foi um arranjador, compositor, maestro e multi-instrumentista brasileiro. – Wikipedia/ Divulgação
Professores, parceiros e alunos
Foi aluno do maestro César Guerra-Peixe e professor de Baden Powell, João Donato, Paulinho da Viola, Airto Moreira, Roberto Menescal, entre outros. Andrea Ernest Dias, flautista e pesquisadora da obra do maestro, autora do livro Moacir Santos, ou os caminhos de um músico brasileiro, conta que o artista construiu uma identidade sonora a partir de pesquisas aprofundadas em teoria musical – o que fez com que músicos mais jovens quisessem aprender com o mestre.
“Para aprender música, né? De uma forma, para quem queria se aprofundar um pouco, sair do campo da intuição musical e saber, o Moacir se tornou essa pessoa que fazia essa ponte entre a erudição e o popular. Então ele se tornou dessa forma o professor de muita gente. Ele dava muita aula: Menescal, Carlos Lyra, Nara Leão.”
Ainda na década de 1960, Moacir arranjou álbuns de Elizeth Cardoso e Baden Powell, e compôs trilhas de filmes – parte delas lançadas no álbum Coisas de 1965. Considerado sua obra-prima, o trabalho reúne 10 composições, todas intituladas Coisa seguida da numeração. Andrea Ernest Dias comenta a genialidade do músico na fusão de ritmos afro-brasileiros com os sopros das bandas de jazz.
“O disco Coisas é uma síntese dessa trajetória dele. Ele tem referências das bandas filarmônicas, na instrumentação; das jazz bands também, que é uma tradição forte pelo país desde os anos 40; jazz bands que que ele também participou na sua região natal; e a questão jazzística, a improvisação, a pesquisa na Orquestra Afro-brasileira trazendo essa identidade afro-brasileira, uma marca mais forte nessa instrumentação. Esse é um trabalho que é um marco na história da música brasileira e traz o Moacir compositor na plenitude do seu domínio musical, de técnicas e de inspiração musical”.
Internacional
Em 1967, Moacir Santos deixou a Rádio Nacional e se mudou para os Estados Unidos, onde seguiu dando aulas e compondo trilhas de cinema, nas equipes dos maestros Henry Mancini e Lalo Schifrin. Na década de 70, lançou álbuns pela renomada gravadora de jazz Blue Note, entre eles, Maestro , indicado ao Grammy. Andrea Ernest Dias fala sobre o “mojo”, inovação trazida por Moacir neste trabalho.
“O mojo é uma espécie de síntese, assim, um sistema que ele criou, muito swingado, uma coisa que a gente ouve e imediatamente fala: ‘isso aí é ritmo do Moacir’. Então ele sistematizava as próprias células rítmicas e transformou esse ritmo num grande balanço, assim, numa marca pessoal mesmo. A ciranda, o maracatu, o disco Maestro marca uma nova etapa na vida do maestro Moacir Santos. Um disco realizado nos Estados Unidos e que traz ritmos intrigantes.
Moacir Santos (1926 – 2006) – Guto Costa / Divulgação
Legado
Em 1985, Moacir Santos foi homenageado no 1º Free Jazz Festival, e tocou na abertura do evento ao lado de Radamés Gnatalli.
A obra do maestro foi revisitada em 2001 pelos músicos Zé Nogueira e Mario Adnet no projeto Ouro Negro, com participações de Milton Nascimento, Gilberto Gil e do próprio Moacir Santos. O álbum Ouro Negro foi a porta de entrada para a obra do músico para ouvintes como o Allan Abbadia.
“Ele é fruto de uma genialidade incrível e uma intelectualidade conquistada através dos estudos, estudos também da nossa oralidade, da cultura afro-brasileira. Uma das características mais marcantes dele é o diálogo entre diferentes expressões artísticas da diáspora. Então ele vem juntando várias dessas expressões com a música erudita e ele conseguiu trazer essa essência da música afro-brasileira, afro-diaspórica, sem se tornar folclórico. Ele conseguiu usar técnicas de outros instrumentos. Ele faz uma coisa de funções assim, que é muito legal, que às vezes o baixo não tá tocando, não tá exercendo o papel do contrabaixo na música ocidental. Ele tá fazendo o papel do rum, que é o tambor mais grave”.
Neste ano, já aconteceram alguns eventos em comemoração ao centenário de Moacir Santos e, no mês de agosto, Allan Abbadia vai dar aulas sobre a obra de Moacir Santos no Centro de Pesquisa e Formação do Sesc em São Paulo.
“É muito importante reverenciar a obra do Moacir Santos, não somente o nome, mas a estética. O público entender essa estética, entender o que ele quis dizer, isso é muito importante. Isso humaniza o artista. Ele faz uma obra que é à frente do seu tempo, mas uma obra que abre um campo de possibilidades para quem vier no futuro conseguir reler aquilo e se debruçar sobre aquilo. Quando eu era garoto. eu fiz workshop com ele, e ele falava: ser reconhecido no meu país é a minha maior alegria“.
Vinícius de Moraes, parceiro das composições Menino travesso e Se você disser que sim, homenageou Moacir Santos nos versos do Samba da Benção.
O músico morreu em 2006, aos 80 anos, em Los Angeles, onde morava, em decorrência de um derrame. Passados 20 anos desde sua partida, o centenário de nascimento de Moacir Santos, em 2026, é uma oportunidade de reverenciar a obra dele, que soube fundir tão bem ancestralidade e modernidade.
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